ESTRENOS DEL 30 DE ABRIL

A la vista de los resultados económicos de las últimas semanas cabía esperar que “Fast & Furious 7” acapararía el liderazgo de la taquilla hasta la llegada de Los Vengadores este fin de semana, para ahí ofrecer un duelo titánico entre ambas franquicias. Pero no, antes de que este desenlace se produjera, Diesel y compañía se han desinflado víctimas de la apatía del espectador nacional, que ante la falta de estrenos estimulantes ha preferido no pasar por las salas comerciales y reservarse para la llegada del, esperado, nuevo taquillazo de Marvel. El título más visto el pasado fin de semana fue “El Maestro del Agua”, no porque la figura de Russell Crowe haya mantenido en nuestro país el tirón pretérito de la estrella, sino por falta de rivales. La cinta se alza con el liderazgo con unos poco halagüeños 720.342 €, mientras que “Fast 7” se limitaba a recaudar unos irrisorios 613.144 €. “La Oveja Shaun” mantiene la tercera posición con 532.328 €, teniendo que descender hasta la cuarta posición para encontrar otro de los estrenos del pasado fin de semana, “Superpoli en Las Vegas” con 421.655 €. Les sigue “La Familia Bélier” con 332.434 €, mientras que el cine español se desploma ante los fracasos de “Cómo Sobrevivir a una Despedida”, a la que ni toda su promoción le ha permitido recaudar sino unos míseros 295.747 €, y, sobre todo, “Sexo Fácil, Películas Tristes”, que ni siquiera entra en el ranking de las 10 más vistas, conformándose con la décimo séptima posición y 60.702 €. Eso mientras la veterana “Perdiendo el Norte” baja a décima posición, con presumible salida del ranking este fin de semana. Esta semana el éxito lleva nombre de superhéroes. Los Vengadores regresan con una nueva aventura y situándose como uno de los títulos más esperados por espectadores y exhibidores para este 2015. Como alternativa a La Era de Ultrón, nos llega una nueva aventura de Astérix y Obélix (esta vez en formato de animación), un drama romántico con firma de Nicholas Sparks y el colorido de los 80 en forma de musical. (Cifras taquilla: Rentrak)

“La Residencia de los Dioses” fue la decimoséptima aventura de Astérix y Obélix creada por René Goscinny (guionista) y Albert Uderzo (dibujante), publicada originariamente en 1971. Estos populares personajes han alternado en la pantalla grande encarnaciones en cine de imagen real y animación. Tras la última entrega protagonizada por Edouard Baer y Gérard Depardieu en 2012, “Astérix & Obélix: Al Servicio de Su Majestad” (la cuarta en imagen real), ahora toca el turno a una versión de animación 3D (primera aventura en dar el salto al formato digital y la novena adaptación de dibujos animados realizada hasta la fecha de los álbumes de Goscinny y Uderzo). Esta cinta cuenta con la dirección de Louis Clichy y Alexandre Astier, mientras que Roger Carel (veterano en estas lides) y Guillaume Briat son los encargados de poner la voz a los dos irreductibles galos en la versión original.

Estamos en el año 50 antes de Jesucristo. Toda la Galia está ocupada por los romanos… ¿Toda? ¡No! Una aldea poblada por irreductibles galos resiste todavía y detienen siempre al invasor. Exasperado por la situación, Julio César decide cambiar de táctica: como sus ejércitos han sido incapaces de imponerse por la fuerza, será la misma civilización romana la que se encargará de seducir a los bárbaros galos. Para ello, ordenará construir al lado de la aldea una lujosa residencia para romanos: "la residencia de los Dioses". ¿Podrán nuestros amigos galos resistirse a la tentación del dinero y el confort romano? ¿La aldea se convertirá en una simple atracción turística? Astérix y Obélix tendrán que esforzarse para frustrar los planes del César.

 

Autores de “Streetdance 3D” y “Streetdance 2”, los directores Max Giwa y Dania Pasquini abandonan los ritmos más urbanos y optan por melodías más clásicas en “Walking on Sunshine”, musical protagonizado por Annabel Scholey, Hannah Arterton, Giulio Berruti y Leona Lewis y que ha contado como hilo conductor con un nutrido grupo de canciones procedentes de la década de los 80. Temas como “Holiday” de Madonna, "Venus" de Bananarama, "Girls just wanna have fun" de Cindy Lauper o "Wild Boys" de Duran Duran han sido versionado e interpretados por los actores de la película para adaptarse al hilo argumental del guion. Como curiosidad, comentar que, aunque la película está ambientada en la región italiana de Apulia, los autores se han tomado una "licencia poética" al incluir una escena que imita la popular fiesta de la Tomatina, que se celebra cada verano en el municipio valenciano de Buñol.

Maddie está decidida a organizar su boda con Raf, su prometido, e invita a su hermana Taylor sin saber que ambos tuvieron un romance de verano tiempo atrás. Este triángulo amoroso es uno de los muchos obstáculos que deberán superar antes de darse el “sí quiero".

 

El director Michael Hoffman, acostumbrado al género romántico tras títulos como “Un Día Inolvidable”, ha sido el encargado de llevar a la gran pantalla la nueva adaptación de una obra de Nicholas Sparks, novelista que ha visto cómo tras “Mensaje en la Botella”, “Un Paseo para Recordar” y especialmente “El Diario de Noa”, las versiones de sus libros a la gran pantalla han adquirido gran popularidad y ha atraído a un público fiel. “Lo Mejor de Mí” reincide en esa línea romántica que caracteriza la obra de Sparks, ofreciendo una trama dividida en dos momentos temporales, por lo que la pareja protagonista cuenta con dos parejas de actores para representarlos Liana Liberato y Luke Bracey para la versión adolescente y Michelle Monaghan y James Marsden, para el salto a la madurez.

Amanda y Dawson son dos adolescentes que provienen de mundos muy distintos. Tras conocerse inician una apasionada historia de amor que queda truncada por sus diferencias sociales y las presiones familiares. Después de varias décadas en las que sus caminos se separaron radicalmente, Amanda y Dawson se reencuentran en su pueblo natal para acudir al funeral de un amigo común, lo que les obliga a enfrentarse a sus sentimientos no resueltos que todavía tienen el uno por el otro.

 

Con “Los Vengadores. La Era de Ultrón”, Josh Whedon nos dice adiós. Después de varios años supervisando el Universo Cinematográfico Marvel y dirigiendo las dos películas evento de la franquicia, el cineasta cede el testigo a los hermanos Russo; sin embargo, antes nos presenta la que él augura como una película mucho más ambiciosa que la anterior y que servirá de punto de partida para la Fase 3. En los principales papeles vuelven a repetir Robert Downey Jr., Chris Hemsworth, Chris Evans, Scarlett Johansson, Mark Ruffalo, Jeremy Renner y Samuel L. Jackson, con la incorporación de Aaron Taylor-Johnson y Elizabeth Olsen en los personajes de Mercurio y su hermana, la Bruja Escarlata. Además, en la versión original, el papel de Ultrón recae en el actor James Spader, mientras que Paul Bettany, que hasta ahora era el encargado de poner la voz a Jarvis, será el encargado de interpretar a otro personaje clásico de la Marvel, La Visión.

Cuando Tony Stark intenta reactivar un programa durmiente de mantenimiento de la paz, las cosas se ponen feas y los Héroes Más Poderosos de la Tierra, que incluyen a Iron Man, Capitán América, Thor, El Increíble Hulk, la Viuda Negra y Ojo de Halcón, deberán ponerse a prueba ya que está en juego el destino del planeta. Con la aparición del villano Ultrón, corresponderá a Los Vengadores la tarea de impedir sus terroríficos planes. No tardarán en surgir extrañas alianzas y giros inesperados que poblarán de acción esta epopeya absolutamente única.

ESTRENOS DEL 24 DE ABRIL

La llegada de algunos estrenos de corte familiar no ha supuesto mucho cambio en la taquilla. “Fast & Furious 7” se mantiene como la película más vista del pasado fin de semana, revalidando su liderazgo por tercera semana consecutiva gracias a los 1.060.339 € que se suman a lo ya recaudado. “La Oveja Shaun” se posiciona en segundo lugar con unos escasos 699.614 €, mientras que la dupla Liam Neeson-Jaume Collet Serra consiguen 539.050 € y la tercera posición. Son los dos únicos títulos estrenados el pasado fin de semana que logran entrar en el ranking. Los siguientes puestos van para “La Serie Divergente: Insurgente” y “Cenicienta”, que suman 508.195 € y 496.800 €, respectivamente. La veterana, con siete semanas en cartel, es la española “Perdiendo el Norte”, que no será un éxito como “Ocho Apellidos Vascos”, pero ya lleva ingresados 9.415.120 € en siete semanas. Esta semana no hay títulos multitudinarios en la parrilla de salida, pero sí un buen conjunto de películas de variada nacionalidad. (Cifras taquilla: Rentrak)

La directora Manuela Moreno cuenta con una exquisita trayectoria en el mundo del cortometraje, con trabajos como “Camas” o “Pipas”. Ahora debuta en el terreno del largometraje con “Cómo Sobrevivir a una Despedida”, cinta que bebe del modelo último de la comedia estadounidense y lo adapta al territorio nacional. Además, cuenta con un nutrido reparto femenino, encabezado por Natalia de Molina, Úrsula Corberó, Celia de Molina, María Hervás y Brays Efe (éste último cubriendo la cuota masculina del plantel protagonista).

Cómo sobrevivir a una despedida es la alocada historia de un grupo de amigas: Nora, Gisela, Tania, Marta y Mateo (una más), que a sus 27 años no tienen la vida que esperaban tener cuando eran unas adolescentes soñadoras. Como la mayoría de veinteañeros españoles, quieren conseguir un buen trabajo en la profesión de sus sueños, echarse un novio como el de Cincuenta sombras de Grey y vivir en un pisazo en el centro. El único problema es que, con sus sueldos mileuristas, lo máximo que han logrado por el momento es vivir en un piso compartido, trabajos de becarias, chicos alérgicos al compromiso y poder comprarse ropa solo en las rebajas… Pero Nora y sus amigas no se rinden ante la cruda realidad, porque la realidad la inventan ellas. Su primera misión: organizarle una despedida de soltera inolvidable a Gisela, la más responsable del grupo. El plan: una semana de viaje a algún lugar de playa donde haya alcohol, gente guapa, postureo y mucha fiesta. Nora, la promotora de un plan que parece hecho a su medida, desearía ser como las de Sexo en Nueva York para elegir un destino lujoso y exótico. Pero nuestras chicas, con sus ahorros, no pueden ni oler Punta Cana o la Riviera Maya y el destino escogido es…Gran Canaria. Una vez allí, donde pretenden pasar dos de los días más desenfrenados de sus vidas, reafirmarán que su amistad puede con todo.

 

El guionista argentino Alejo Flah, autor de los libretos de títulos como la serie de TV “Los Vientos del Agua” o “Séptimo”, debuta en la dirección con “Sexo Fácil, Películas Tristes”, cinta de corte metafictivo que bifurca sus tramas entre la ficción y la realidad. Con una doble pareja protagonista, interpretadas por Marta Etura y Quim Gutiérrez (quienes se reencuentran tras “Azuloscurocasinegro” y “Los Últimos Días”) y Ernesto Alterio y Mónica Antonopulos (cuota argentina del reparto), la cinta cuenta también con la participación del humorista Carlos Areces.

Marina y Víctor lo tienen todo para vivir una hermosa historia de amor: son jóvenes, solteros, guapos y se atraen profundamente. No tardarán en darse cuenta de que están hechos el uno para el otro. Solo existe un pequeño problema: Víctor y Marina son, en realidad, personajes de ficción creados por Pablo, un guionista en plena crisis sentimental al que han encargado escribir una comedia romántica. La cuestión es: ¿podrá escribir una historia de amor cuando su amor ya es historia?

 

El apoyo del público francés a su cine siempre ha sido envidiable. Uno de los últimos éxitos del país vecino ha sido “La Familia Bélier”, una comedia con encanto y buenos sentimientos dirigida por Eric Lartigau y protagonizada por Louane Emera, Karin Viard, François Damiens y Luca Gelberg (actor sordo en la vida real), con un Eric Elmosnino en uno de los roles secundarios que aporta algunas de las principales escenas de humor. El director encontró a su actriz protagonista en la versión francesa del concurso “La Voz”.

En la peculiar familia Bélier, todos son sordos menos Paula, que tiene 16 años. Ella es indispensable para sus padres en el día a día, sobre todo en la explotación de la granja familiar. Animada por su profesor de música que ha descubierto en ella un sorprendente don para el canto, decide preparar la prueba para un concurso de radio nacional. Una elección vital que podría significar alejarse de su familia y un paso inevitable hacia la edad adulta. ¿Podrán los Bélier sobrevivir sin quien ha sido siempre sus labios y sus oídos... o triunfará el espíritu de una familia que haría cualquier cosa por seguir unida?

 

La pareja artística formada por Alexandre Aja y Grégory Levasseur ha sido decisiva para el cine fantástico francés de los últimos años. Con el primero como director y el segundo en calidad de guionista, de su mano han surgido obras como “Alta Tensión”, el remake de “Las Colinas Tiene Ojos”, “Parking 2”, “Reflejos” o el remake de “Piraña”. Ahora invierten roles y mientras Aja se concentra en la producción, Levasseur debuta en la dirección con “La Pirámide”, cinta protagonizada por Ashley Hinshaw, James Buckley, Denis O'Hare y Christa Nicola.

Las antiguas maravillas del mundo siempre han albergado maldiciones que han perseguido a todos aquellos exploradores que han osado destapar sus secretos. Una de las más conocidas es la maldición del faraón, la cual se venga de todos los aventureros que profanen las tumbas sagradas de las pirámides. En 1699, un barco polaco que transportaba dos momias fue perseguido por visiones espectrales y tormentas inhumanas. En 1803, cuatro miembros de una expedición entraron en la pirámide de Jafra (Kefrén) y nunca salieron. Y en 1922, la tumba de Tutankamón fue abierta y se sucedieron una serie de muertes espeluznantes entre el equipo de excavación. Durante los siguientes 90 años, no se profanó ninguna tumba más. Hasta ahora. Un equipo de arqueólogos de Estados Unidos está a punto de descubrir algo con lo que no contaban: una pirámide perdida como ninguna otra en el desierto de Egipto. Cuando abren el cerrojo de los aterradores secretos que están allí enterrados, se dan cuenta de que no sólo están atrapados allí dentro, sino que están siendo perseguidos.

 

Más popular en Estados Unidos que en nuestro país, gracias sobre todo a la serie de televisión “El Rey de Queens”, el actor Kevin James se dio a conocer a nivel internacional con “Hitch. Especilista en Ligues”. Desde entonces su carrera no ha destacado por la calidad de sus películas, aunque en 2009 obtuvo un éxito inesperado con la película “Superpoli de Centro Comercial”. Ahora repite personaje en “Superpoli en Las Vegas”, de nuevo acompañado por la joven actriz Raini Rodriguez (vista en la serie de Disney Channel “Austin & Ally”) y con dirección de Andy Fickman (“Papá por Sorpresa”, “Abuelos al Poder”).

Tras 6 años cuidando de la seguridad de nuestros centros comerciales, Paul Blart se ha ganado unas muy merecidas vacaciones. Emprende viaje a Las Vegas con su hija adolescente antes de que esta empiece la Universidad. Pero la seguridad nunca se va de vacaciones y cuando el deber llama, Blart responde.

 

Aunque mantiene su reputación como actor, la carrera de Russell Crowe está lejos de su periodo de esplendor. Quizás por eso el actor ha querido probar suerte en la dirección con “El Maestro del Agua”, un melodrama histórico, co-producción entre Australia, Turquía y Estados Unidos, que nos traslada 100 años en el pasado, a las postrimerías de la famosa batalla de Gallipoli. Junto al actor encontramos otros rostros populares como Jai Courtney (“Divergente”) y Olga Kurylenko (“Quantum of Solace”), además actores de carácter como Yilmaz Erdogan (“Érase Una Vez en Anatolia”).

El Maestro del Agua es una Aventura épica ambientada cuatro años después de la devastadora batalla de Gallipoli, en Turquía, durante la Primera Guerra Mundial. El granjero australiano Connor viaja a Estambul para descubrir qué ha pasado con sus hijos, declarados desaparecidos en combate, al tiempo que forja una relación con una hermosa mujer turc), propietaria del hotel en el que se hospeda. Aferrado a la esperanza y con ayuda de un oficial turco, Connor se embarca en un viaje a través del país para descubrir la verdad acerca del destino de sus hijos.



“MORTDECAI”. UN BIGOTE FALSO NO HACE UN CHISTE.

Con el paso del tiempo acabaremos dándonos cuenta que el despegue de popularidad de Johnny Depp con “Piratas del Caribe. La Maldición de la Perla Negra”, más que una bendición ha acabado siendo una losa no sólo para el actor, sino también para los sufridos espectadores. Lo que en 2003 resultaba fresco y novedoso, un nuevo icono cinematográfico con el que la rebeldía indie se integraba en el mainstream de Hollywood, junto con sus últimas colaboraciones con Tim Burton, se ha convertido en un patrón exasperante y cansino a base de pura reiteración. Tras las tres secuelas de “Piratas…”, “Charlie y la Fábrica de Chocolate”, “Alicia en el País de las Maravillas”, “Sombras Tenebrosas” o “El Llanero Solitario”, los histrionismos del actor han dejado de tener gracia, y lo que es peor, la propia estrella (otrora recelosa de la fama) ha acabado creyéndose su personaje y olvidando su faceta de actor. Hijo de todo esto es “Mortdecai”, un personaje grotesco, excesivo, y sin inspiración, cuyo show en pantalla produce esa incomoda sensación del que va a ver un espectáculo cómico y se encuentra ante un humorista incapaz de despertar la risa en la platea.

No es justo depositar toda la responsabilidad del fracaso de la película en su estrella (aunque en él se resuman las mayores fallas de la película). El guion de Eric Aronson busca sin éxito impostar el humor de la productora británica Ealing, del gran Blake Edwards, o incluso del legendario Louis de Funès, mientras que el director, David Koepp, naufraga a la deriva en un género que le es ajeno. Ni siquiera la presencia de otros actores de caché como Gwyneth Paltrow o Ewan McGregor salva la función y únicamente Paul Bettany aporta algún atisbo de comicidad con su papel del guardaespaldas Jock. Y es que uno se pregunta qué diablos se le ha perdido a ese grupo de americanos (salvo por la presencia del escocés McGregor y el londinense Bettany) en el Reino Unido, intentado mofarse de la flema británica con sus acentos impostados y sus ademanes de manual y produciendo uno de los estrenos más insípidos del año.

ESTRENOS DEL 17 DE ABRIL

El pasado fin de semana, los estrenos que llegaron no calaron hondo en los espectadores, pero afortunadamente para la taquilla, Toretto y sus chicos tenían combustible de sobra. “Fast & Furious 7” recauda 2.120.242 € en su segundo fin de semana, asegurándose el puesto líder nuevamente. Los siguientes escalones del ranking siguen ocupados por títulos de semanas anteriores, como “La Saga Divergente: Insurgente” (con 844.662 €) y “Cenicienta” (que añade 833.468 € a sus arcas). El cine español sigue manteniendo el pabellón gracias al éxito de “Perdiendo el Norte”, que en su sexta semana añade unos 519.937 €, llevando ya recaudado un total de 8.902.846 €. Los estrenos del pasado fin de semana han quedado relegados a partir de la séptima posición, con “La Dama de Oro” como el título que más llamó la atención a los espectadores de nuestro país, seguida por “Mortdecai”, “El Último Lobo” y con “Felices 140” cerrando el ranking de las 10 más vistas. Esta semana impera el cine familiar de producción europea, mientras que para los adultos nos llegan el debut tras la cámara del actor Ryan Gosling y la nueva propuesta de la dupla formada por Jaume Collet Serra y Liam Neeson. (Cifras taquilla: Rentrak)

A fecha de hoy Ryan Gosling es uno de los actores más queridos por Hollywood. No sólo ha demostrado que es un excelente actor, capaz de apostar por papeles arriesgados y diferentes, sino que además ha sabido ganarse el público con producciones rentables como “Drive” o “Crazy Stupid Love”. Anunciada esta semana su presencia junto a Harrison Ford en la nueva entrega de “Blade Runner”, el actor ha querido también dar muestras de su sensibilidad situándose detrás de la cámara con el largometraje “Lost River”, cinta en la que se percibe influencias de cineastas como David Lynch o su apreciado Nicolas Winding Refn. Vista en el pasado festival de Cannes, la cinta no ha contado con buenas críticas, pero sí cuenta con la presencia de actrices como Christina Hendricks, Saoirse Ronan o Eva Mendes para atraer al público a la sala.

En los decadentes suburbios de Detroit, Billy lucha por sacar adelante a sus dos hijos y no perder su casa. Cuando su tiempo se agota, Billy, acompañada de Cat, decide aceptar un nuevo trabajo que le ofrece Dave en un misterioso y extraño lugar en el que nada es lo que parece. Al mismo tiempo, su hijo Bones intenta sobrevivir, con la ayuda de Rat, al acoso del violento y peligroso Bully. En sus intentos de huir de los "monstruos" que les acechan, Billy y Bones se adentran en un mundo mágico e irreal que les llevará a lugares que nunca hubiesen imaginado.

 

Mathias Malzieu es, sin duda, una figura atractiva y polifacética. Escritor, músico, actor ocasional y, ahora también, guionista y director, ha encontrado en la popularidad de su novela de 2009 “Jack y La Mecánica del Corazón” la excusa para dar el salto al séptimo arte. Con una estética heredada de las muñecas de porcelana, esta cinta de producción francesa nos lleva a un mundo mágico, donde en la versión original podemos encontrar las voces del propio Malzieu, Olivia Ruiz, Grand Corps Malade, Jean Rochefort o Rossy de Palma.

La Mecánica del Corazón cuenta la historia de Jack, un niño que nació en un día tan frío que su corazón se congeló y tuvieron que reemplazarlo por un reloj de cuco. Jack sobrevivirá con este reloj siempre y cuando siga las tres leyes: no tocar las manillas, controlar su ira y sobre todo nunca, nunca, nunca enamorarse. Un día, Jack conoce una pequeña cantante de grandes ojos, Miss Acacia, una joven andaluza que pondrá a prueba su corazón. Por el amor que siente hacia ella, Jack se lanzará a una aventura quijotesca que le llevará desde Edimburgo a París, a las calles de Granada, haciéndole conocer las dulzuras y durezas del amor.

 

Liam Neeson debe gran parte de su popularidad actual a Luc Besson y al éxito de “Venganza”, sin embargo, al actor irlandés se le ve más cómodo en sus colaboraciones con el director catalán Jaume Collet-Serra. Cineasta y estrella han coincidido ya en tres películas (“Sin Identidad”, “Non Stop” y el estreno de esta semana “Una Noche para Sobrevivir”) y todo parece presagiar que éste será un tándem que aún se puede prolongar más. Junto a las aventuras de Bryan Mills, esta dupla nos ha dejado dignos entretenimientos sin más aspiración que ofrecer obras de género bien empaquetadas. Además, su última colaboración cuenta también con la participación de otros rostros a destacar como Joel Kinnaman, Vincent D'Onofrio, Ed Harris, Common o Boyd Holbrook.

El mafioso y prolífico sicario Jimmy Conlon, que antes era conocido como El Cavatumbas, ha tenido mejores épocas. Su jefe y amigo de toda la vida es Shawn Maguire. Jimmy, que tiene 55 años, se siente perseguido por los pecados de su pasado, así como por el sabueso de la policía que ha ido detrás de Jimmy durante 30 años. Últimamente, parece que el único consuelo que puede encontrar Jimmy está en el fondo de un vaso de whiskey. Pero cuando el hijo de Jimmy, Mike, que vive alejado de su padre, se convierte en un objetivo, Jimmy tiene que elegir entre la familia de criminales a la que había escogido pertenecer y su familia auténtica, a la que había abandonado hacía mucho tiempo. Con Mike huyendo, la única penitencia por los errores pasados de Jimmy puede consistir en proteger a su hijo del destino al que Jimmy se ve abocado con un arma de fuego apuntada en la dirección contraria a la que estaba acostumbrado. Ahora, sin ningún sitio al cual escapar, Jimmy solamente tiene una noche para averiguar a quién debe su lealtad y para ver si, de una vez por todas, puede hacer bien las cosas.

 

La factoria Aardman no ha tenido suerte en sus últimas producciones. Tras los tiras y afloja primero con Dreamworks Animation y con Sony después, el estudio de animación británico optó por prescindir de los cantos de sirena de Hollywood y sus holgados presupuestos y regresar a sus orígenes. Con producción británica y francesa, “La Oveja Shaun” supone, como ya lo hicieran años atrás Wallace y Gromit, el salto a la gran pantalla de uno de los personajes clave del catálogo del estudio de la mano de los directores debutantes Mark Burton y Richard Starzak, que hasta ahora se habían sentido más cómodos en el apartado de guion.

Shaun es una oveja muy lista y muy traviesa que vive con sus compañeras de rebaño en la granja de Mossy Bottom bajo la “supuesta” supervisión del Granjero y de Bitzer, un perro pastor con muy buenas intenciones, pero bastante despistado. A pesar de los esfuerzos de Shaun, la vida en la granja es bastante monótona, y nuestra oveja idea un ingenioso plan para tener un día libre.



“LA SAGA DIVERGENTE: INSURGENTE”. EL VALOR DEL ARTESANO.

Resulta llamativo como en los últimos tiempos se ha puesto de moda la ciencia ficción distópica juvenil, casi como si fuera un eco del descontento de la población joven por las caducas políticas de las últimas décadas y que han creado diferentes movimientos sociales a nivel internacional reclamando un cambio en el sistema social y denunciando las injusticias de un sistema corrupto. No sabemos si esta coincidencia es meramente eso, una casualidad, si es un recurso de Hollywood para ofrecer una imagen impostada de modernidad o, por el contrario (desde una perspectiva conspiranoica), un medio para que estos jóvenes vean satisfechos sus sueños en la gran pantalla y no los busquen fuera de ella. Sea como fuere, lo cierto es que la libertad parece que ya no tiene la apariencia de una mujer de pecho descubierto como la representara en 1830 Eugène Delacroix (la calificación por edades de Hollywood no lo permitiría), sino la de Katniss Everdeen o, en el caso que nos ocupa, Tris Prior.

En la primera entrega, el centro del conflicto estaba entre las facciones de Abnegación y Erudición, es decir, entre lo emocional y lo intelectual, quedando Osadía como herramienta violenta para imponer un orden dictatorial. En la segunda entrega, entran en juego nuevas facciones, que previamente habían quedado simplemente apuntadas, Verdad y Cordialidad, dos conceptos que en la trama quedan anulados cuando la cobardía ante se apropia de ellas. Recordando el poema de Martin Niemöller “Cuando los Nazis vinieron a por mí…”, una de las principales tramas de la cinta va relacionada con las consecuencias de no resistir las tiranías en los primeros intentos de su establecimiento, junto con la necesidad de la protagonista de perdonarse a sí misma y enfrentarse al sentimiento de culpabilidad por los sacrificio que su revolución ha ocasionado. Nos encontramos por los tanto con una Tris más madura que en la película anterior, pero también traumatizada por la violencia que marcó el clímax de la entrega anterior (como sucediera con Katniss en “Los Juegos del Hambre. En Llamas”, subrayando aún más la cercanía entre ambos personajes, y también el propósito de ambas sagas de dar un retrato más complejo de sus respectivas heroínas). Inicialmente, a la hora de llevar la trilogía “Divergente” de Veronica Roth al cine, la productora Summit Entertainment aspiraba a encontrar un filón juvenil que continuara la estela de “La Saga Crepúsculo”, pero intentando por el camino recabar un reconocimiento crítico más cercano a “Los Juegos del Hambre”. Para ello, al igual que con las aventuras de Katniss, para cuya primera entrega Lionsgate contó con un director con cierto prestigio autoral (Gary Ross, “Pleasantville”, “Seabiscuit, Más Allá de la Leyenda”), la adaptación de la primera novela de “Divergente” se quiso escudar en la reputación de un director de corte indie (Neil Burger, “El Ilusionista”, “Sin Límites”). El resultado fue un tanto apático. Esta primera entrega se regodeaba demasiado en la parte descriptiva y contemplativa de ese futuro distópico que nos presentaba la historia. Al conjunto le faltaba garra, una impronta más enérgica, y sobre todo una mano más experta a la hora de lidiar con las secuencias de acción.

Conocedores de que con la segunda entrega se juegan la continuidad de aquellos espectadores que no forman parte del círculo se seguidores de la novela, la productora ha preferido prescindir de las ínfulas de trascendencia y optar por un director que sepa desenvolverse en el terreno del blockbuster y el cine de género, lo que comúnmente se denomina un artesano. Robert Schwentke ya había dado muestras de una dirección solvente y dinámica, aunque impersonal, en títulos como “Plan de Vuelo: Desaparecida” o “RED”, y aquí opta por insuflar savia nueva a la saga. Las bases siguen siendo las mismas y, desgraciadamente, la trama ideada originariamente por Veronica Roth apenas puede despegar del pastiche de los patrones marcados por la nueva literatura de fantasía juvenil. La química entre Shailene Woodley y Theo James mejora con respecto a la anterior película (tanto juntos como por separado), pero aún así están lejos de resultar convincentes y la incorporación de nuevos rostros como Octavia Spencer o Naomi Watts ayuda a dar un mayor caché interpretativo a la cinta, pero como sucediera con Kate Winslet en “Divergente”, su rol resulta demasiado secundario como para que ello ayude a inclinar la balanza a favor. Sin embargo, en las manos de Schwentke, los protagonistas parecen más humanos, ese Chicago futurista más atractivo visualmente y los componentes de fantasía y acción más dinámicos y sugerentes. “La Saga Divergente: Insurgente” es lo que es: un producto palomitero, destinado a un público juvenil, cuidadoso con la fidelidad a la letra de las novelas, y autoconsciente de su naturaleza de producto de moda (y por lo tanto, efímero), pero al menos gracias a este enfoque desprejuiciado, sí resulta un mejor entretenimiento, que al fin y al cabo es de lo que se trata, ¿no?

ESTRENOS DEL 10 DE ABRIL

Rápidos y furiosos llegaron Vin Diesel y compañía a las salas de cine el pasado 2 de abril absorbiendo toda la atención de los espectadores que se acercaron a las salas de cine durante el periodo festivo de Semana Santa. “Fast & Furious 7” se ha convertido, con diferencia, en el estreno más taquillero de la saga y se ha colocado como el sexto estreno más importante a nivel internacional de la historia. Ya sea por la popularidad creciente de la saga o por el componente emocional de la muerte de Paul Walker, lo cierto es que la cinta logró recaudar en nuestro país durante su primera semana 5.896.942 €. Frente a estas cifras poco pudo hacer el otro estreno de Semana Santa, “La Saga Divergente: Insurgente”, que a pesar de llevar un día de ventaja se quedó en cuarta posición con una recaudación de 1.418.353 €, escasa para un títulos de estas características y en un periodo festivo. La segunda entrega de las novelas de Veronica Roth no logró imponerse a títulos ya presentes en cartelera como “Cenicienta” o “Perdiendo el Norte”, que mantienen la segunda y tercera posición respectivamente. Por su parte, “Home Hogar Dulce Hogar” aprovecha las vacaciones escolares para asegurarse la quinta posición, mientras que Will Smith reafirma el poco gancho de “Focus”, que en su segundo fin de semana sólo recauda 690.050 y baja a sexta posición en el ranking. Tras la furia de Semana Santa, llegamos a una semana de transición y calma, con especial presencia del cine europeo y, curiosamente, con la pintura como elemento recurrente en algunas de las tramas. Entre los títulos estrella de la semana tenemos el regreso de cineastas como Gracia Querejeta o Jean-Jacques Annaud, mientras que Hollywood apuesta por el llamativo reparto de “Mortdecai”, con la esperanza de que la cinta alcance mejores resultados que en su país de origen. (Cifras taquilla: Rentrak)

El cine de Gracia Querejeta se ha caracterizado por indagar en las claves de las relaciones familiares y sus conflictos. Para su nuevo trabajo, “Felices 140” ha querido dar una nueva vuelta de tuerca a esta temática, acogiendo además algunos patrones de cine de género, pero sin perder un ápice de su personalidad. Rodada en localizaciones de Tenerife, la cinta reúne a un reparto de ensueño, liderado por una Maribel Verdú, actriz fetiche de la directora, y secundada por rostros de peso como Antonio de la Torre, Eduard Fernández, Marian Álvarez, Ginés García Millán o Nora Navas.

Elia cumple 40 años y, para celebrarlo, reúne en una lujosa casa rural a amigos y familiares. Tiene que decirles algo muy importante: es la ganadora del bote de 140 millones que el Euromillón sorteaba esa semana. A partir de ese momento, el ambiente empieza a enrarecerse y lo que, al principio, parecía alegría compartida da paso enseguida a toda clase de argucias para intentar quedarse con el dinero de la afortunada.

 

Por su parte, el cine de Jean-Jacques Annaud siempre se ha mostrado atraído por la temática medioambiental, las grandes localizaciones naturales y la cercanía con personajes animales (“El Oso”, “Dos Hermanos”). Estos dos aspectos confluyen en su nuevo trabajo, “El Último Lobo”, donde su cámara de nuevo se acerca a la historia de un protagonista cuadrúpedo, al mismo tiempo que se recrea en la belleza de los paisajes naturales de Mongolia, donde fue rodada la película. La cinta supone también el reencuentro del director con el compositor James Horner, con quien trabajó por primera vez en 1986 en “El Nombre de la Rosa”, y con el que repetiría en “Enemigo a las Puertas” y “Oro Negro”.

1969. Chen Zhen, un joven estudiante de Beijing, es enviado a Mongolia Interior para educar a una tribu de pastores nómadas. Viviendo en una aldea rural, el estudiante tendrá que adaptarse a una vida hostil y vertiginosa rodeado de una de las criaturas más temidas y reverenciadas de la tierra: el lobo. Seducido por la relación casi mística entre estas criaturas y los pastores, captura un lobezno para domesticarlo. La emotiva relación entre Chen y su nuevo amigo se ve amenazada cuando un representante regional de la autoridad central decide eliminar como sea a todos los lobos de la región.

 

El cine europeo sigue marcando la pauta de los estrenos de esta semana con “La Dama de Oro”. Tras una producción española y otra francesa (co-producción con China), nos llega este título británico basado en un hecho real. Su director es Simon Curtis, autor de “Mi Semana con Marilyn”, y cuenta con un llamativo reparto de estrellas. Por encima de todos la siempre espectacular Helen Mirren, quien en este caso forma dueto con Ryan Reynolds. Secundan otros rostros conocidos como Katie Holmes, Daniel Brühl o Charles Dance. De fondo la pérdida del patrimonio de las familias judías en Austria tras la llegada del nazismo y la relevancia cultural del pintor Gustav Klimt.

Tras huir de Viena sesenta años atrás durante la Segunda Guerra Mundial, una mujer judía llamada Maria Altmann emprende un viaje para reclamar las posesiones que los nazis confiscaron a su familia, entre ellas la célebre obra de Gustav Klimt “Retrato de Adele Bloch-Bauer I”. El joven abogado Randy Schoenberg echará mano de su valor para suplir su falta de experiencia al acompañarla en esta lucha que los llevará hasta el corazón del gobierno austríaco y la Corte Suprema de Estados Unidos. Por el camino, Maria deberá enfrentarse a las terribles verdades de su pasado.

 

El director Adam Wingard se ha convertido en uno de los principales representantes de la nueva corriente de cine de terror o suspense denominada mumblegore (producciones modestas, con actores generalmente desconocidos y basadas en un cierto naturalismo en la puesta en escena). Tras títulos como “Horrible Way to Die” o “Tú Eres el Siguiente”, Wingard apuesta por el thriller con raíces en la estética de los 90 en “The Guest”, cinta que obtuvo una buena recepción en festivales como Sundance o Toronto. La cinta está protagonizada por Dan Stevens (“Downton Abbey”, “Caminando entre las Tumbas”) y cuenta con la presencia de Maika Monroe, actriz que con este papel y su participación en la próxima “It Follows” se ha posicionado como una de las musas del mumblegore.

David es un joven soldado que aparece en la puerta de la familia Peterson. Él afirma haber compartido unidad y amistad con el hijo de los Peterson, recientemente muerto en combate. La familia lo acoge temporalmente con ellos, ya que David no parece tener un sitio a donde ir. Pronto una serie de muertes accidentales empiezan a suceder. Puede que David esté conectado con ellas.

 

Conocido como uno de los principales script doctors (escritores especializados en corregir guiones conflictivos) de Hollywood, el guionista David Koepp ha desarrollado una carrera paralela como director con títulos como “El Efecto Dominó”, “El último Escalón” o “La Ventana Secreta”. Su último trabajo como director parte de la serie de novelas escrita por Kyril Bonfiglioli y que tiene al marchante de arte Charles Mortdecai como principal protagonista. Comedia que bebe del slapstick clásico y de la tradición británica, a mayor gloria de su protagonista, Johnny Depp, cuenta también con un importante plantel de secundarios (Gwyneth Paltrow, Paul Bettany, Ewan McGregor, Olivia Munn)

Mientras sortea a unos rusos cabreados, al Mi5 británico, a su esposa de piernas imposibles y a un terrorista internacional, el elegante marchante de arte y granuja a tiempo parcial, Charlie Mortdecai, deberá cruzar el globo armado únicamente con su elegancia y su encanto especial en una carrera para recuperar una pintura robada que, se rumorea, contiene el código de cuenta de un banco perdido lleno de oro Nazi.

ESTRENO “LOVE.SEX.F*CK”

Dispuesto a batirse con Gracia Querejeta y sus “Felices 140” y el “Mortdecai” de Johnny Depp, el cineasta canario Luis Martin ha escogido este fin de semana para estrenar su primer largometraje, “Love.Sex.F*ck”, protagonizado por Khaled Kouka, Norberto Trujillo, Sofía M. Privitera, Raquel Rial, Sara García, Carla Hernández y Yapci Ramos. Se trata de una cinta episódica donde las relaciones sentimentales y la gastronomía juegan un papel fundamental. Se trata de tres historias entrelazadas, diferentes formas de plantearse y enfrentarse a las situaciones de vida, que no siempre es como nos la imaginamos o creemos que es. No es la típica historia de amor de tres parejas. Son tres historias de sentimientos convulsos, sentimientos que se intentan comprender a través de actos cotidianos como tomar café, comidas entre amigos o pareja. El rodaje tuvo lugar íntegramente en la isla de Tenerife, durante 3 semanas y media, en localizaciones de Santa Cruz de Tenerife, San Cristóbal de La Laguna, Tacoronte y Güímar, gracias al apoyo de empresas como Multicines Tenerife 3D, Hotel Aguere, Hotel Nivaria, Aguere Cultural, Peluquería You & You y Cáncamo company & comunicación.

Nacido originariamente en formato de cortometraje, el director nos comenta que “siempre he tenido la espinita clavada por grabar esa historia como se merecía”. “El germen de la historia, nace de una experiencia personal. En su momento cuando hice el cortometraje inicial, "Love/Sex/F*ck", faltaron por rodar escenas por falta de medios y tiempo”. “Cada vez que terminaba de grabar un proyecto, tenía en mente que el próximo sería ese, pero no quería grabar el mismo guión, pero con unas escenas más. Así que saqué un personaje de la historia y le di la suya propia. Teniendo ya "Love" y "F*ck" me reuní con Khaled Kouka y Norberto Trujillo para hablar de ello y antes de decir nada, Khaled me preguntó cuándo retomábamos el proyecto. En ese momento se inició la preproducción de "Love.Sex.F*ck."”. Hoy en día, gracias a la tecnología del cine digital, rodar un cortometraje está más al alcance de cualquier persona con inquietudes, sin embargo, la ambición de Martín iba más allá de ahí. “En esa reunión, propuse en vez de hacer dos o tres cortometrajes, lanzarnos a la película. Con un equipo técnico mínimo, pocos actores y un rodaje de cortometraje de guerrilla, grabaríamos la película en los mismos días que haríamos los cortos. Ante esa locura, todos con los que fui hablando, actores y técnicos, se apuntaron a la aventura”. Con una amplia trayectoria en la realización de videoclips (para grupos como “El Secreto de Amelie”, “Honor de Calle”, “Brutalizzed Kids”) y realizador de publicidad, Luis Martín ha dirigido también los cortometrajes como “Cariño” o “Tómame”, además del originario “Love/Sex/F*ck”. Más cercano hasta ahora a los patrones de la comedia o el cine de género, este nuevo trabajo supone un cambio de registro para el director. “Totalmente. Aunque en cortometrajes y webseries que he hecho o participado, siempre he mantenido un estilo propio. Con "Love.Sex.F*ck." he querido probar nuevas cosas. La película cuenta con tres historias distintas, y cada una de ellas está escrita y grabada de una forma diferente, para remarcar el concepto que quiero narrar en cada acto”. Todo ello con el acto heroico que supone hacer cine en Canarias, donde no sólo están las barreras de la producción, también las de la distribución. Para Martín, rodar este largometraje ha supuesto “Una experiencia agotadora y titánica. Podría hacer una película o un libro sobre cómo producir desde cero, sin ayuda alguna. Lo bueno es que he aprendido sobre todos los papeleos, escollos y demás relacionado que hay y para la siguiente ya todo irá sobre ruedas. Espero”. Frente a los desafíos que planteaba este proyecto, uno de los pilares fuertes de la producción fue el apoyo de los actores. “Hay que decir que no hubo apenas tiempo para ensayar y muchas veces quedábamos una o dos horas antes del rodaje para pasar y pasar el texto. Lo bueno de eso, es que hay mucha improvisación y mucho material de cada actor y actriz. Por ejemplo, toda la parte de Yapci Ramos fue grabada en un día, en una sesión maratoniana. Nunca dejaré de decir que “Love.Sex.F*ck” no es mi película, es la de los actores”.

Esta relación estrecha del equipo queda también patente en los comentarios que nos hacen algunos de los protagonistas de la historia. Así, por ejemplo, Norberto Trujillo y Sofía M. Privitera son los protagonistas del episodio titulado “F*ck”. Según Trujillo, su personaje “Edgar es un psiquiatra que hace mucho tiempo olvidó cómo vivir con el mundo que le rodea. Ha llegado a un momento de su vida en que se le avecinan cambios drásticos. A lo que se enfrenta es a decidir si al menos intenta superarlos”. Para Privitera, “Marta es una mujer normal y corriente, que espera, que ama, que acciona, que sufre, que toma decisiones y aguanta las consecuencias”. Trujillo ya había colaborado en otras ocasiones con Martín, y pese a las premuras de la producción, nos comenta que la libertad para improvisar le ayudó a comprender a su personaje. “Grabar un largo en apenas unas semanas no es una tarea fácil. Existen muy pocos proyectos en los que tengas un guion con mucha antelación para preparar el personaje y este no fue la excepción. La gran diferencia es la de rodar con otros tiempos, las escenas ya no se miden tanto como en un cortometraje y el actor tiene más libertad para exponer su visión del personaje. Eso me dio comodidad para que Edgar saliese a dar una vuelta”.

La participación de Sofía Privitera, estuvo más concentrada en el tiempo, sin embargo se involucró en el proyecto “porque era una peli basada en conceptos claros, pero con libertad para improvisar sobre las situaciones y los personajes y por eso, no me requeriría más de un par de horas, en un par de días, que era una condición esencial para embarcarme, que me ocupara poco tiempo”. En cuanto a su trabajo con el director, nos comenta que “la relación con Luis ha sido, sinceramente muy corta, porque no hemos quedado más que ese par de días y una reunión anterior, pero ha sido cordial, sincera y libre, que no es poco”. Por su parte, ambos actores no dudan en regalarse algunos elogios. Para Privitera, “Norberto es mala persona, y peor actor”; mientras que Trujillo dice de su partenaire que “Sofía es mala actriz, como persona ni hablamos. Llegaba al rodaje con aires de grandeza y sin saberse una palabra del guion. Tenía a todo el equipo de un lado para otro para atender a sus caprichos, llegando incluso a parar todo el rodaje para que alguien le trajese champú de chocolate. En realidad me dio una clase de interpretación, por eso estoy molesto y digo mentiras. Fue genial los ratos de rodaje junto a Sofía”.

Otros actores de los que hemos podido recopilar impresiones son Raquel Rial y Yapci Ramos. La primera participa en la historia denominada “Love”, donde interpreta a Myriam, “un personaje hundido en la tristeza que lucha para seguir adelante y retomar su vida cotidiana. A pesar de ello, aún vive del recuerdo que le queda de su marido, Adrien. Un día cualquiera se encuentra con alguien que cambiará completamente la imagen que tenía de su marido”. Miembro del Grupo de Teatro de Filología, Raquel procede del mundo de las tablas, pero su participación en este proyecto y su relación con el equipo le ha abierto las puertas del cine. “El equipo de “Love.Sex.F*ck” contactó conmigo para proponerme un papel en este largometraje. Me uní al grupo y empezaron los rodajes. Desde entonces he forjado una buena amistad con Luis independiente de su trabajo como director y del mío como actriz”. “Lo mejor de todo el proyecto ha sido el poder trabajar junto a grandes actores y aprender de ellos. Este es mi primer proyecto cinematográfico y todos ellos me han ayudado a mejorar y a crecer a nivel profesional. También he forjado una buena amistad que va más allá de la profesión”.

Yapci Ramos, por su parte, al igual que Norberto Trujillo, ya formaba parte de la troupe de Luis Martín, y en la película no sólo interpreta a uno de los protagonistas de “Sex”, sino que además se ha encargado de la dirección de fotografía de la película. Su personaje “es un director de cine que, como muchos cineasta canarios, quiere hacerse un hueco en el mundo audiovisual”. La partenaire de Yapci en esta historia es la actriz Carla Hernández, sobre la que comenta que “me resultó una buena persona con ganas de aprender. Ha terminado sus estudios y creo que ahora dedica más tiempo a la interpretación. Ya nos conocíamos de antes y eso me resultó más fácil llevarlo a la hora de interpretar un papel o trabajar con ella fuera de pantalla”. Con respecto a cómo entró en el proyecto y su relación con Luis Martín nos dice que “hace ya un tiempo nos conocimos en rodajes y ya había colaborado en varios de sus proyectos. La relación se estrechó cuando el empezó ayudarme en un proyecto mío personal, “Guardianes del Equilibrio”, justo lo contario que le ocurre al personaje Martin del film. Luis es una persona muy inteligente que no tiene ningún miramiento a la hora de ayudar al prójimo, para mí esa forma de ser tiene toda mi admiración y un apoyo total en sus futuros proyectos”. Con respecto a su labor tras la cámara, nos dice que “antes de conocer mi parte en “Sex” ya habíamos comenzado a rodar “F*ck” y “Love”, lo cual me liberó mucho hasta que llegó el día de la actuación que, por suerte, se filmó en un sola jornada. Intente crear el ambiente según requería el director en cada toma. Luis Martin se encargó de dar las últimas pinceladas en posproducción para fulminar el trabajo, dándole una atmósfera total”.

La película se estrena este viernes 10 de abril, consiguiendo entrar en las carteleras de Multicines Tenerife 3D y asegurándose al menos una semana de exhibición comercial. A partir de ahí, la película iniciará un camino incierto, pero ambicioso, como nos comenta su director. “Estoy buscando sacarla de Tenerife, pero queda aún trabajo por hacer. Quizás eso sea más sencillo si funciona bien en taquilla y tiene buenas críticas. "Love.Sex.F*ck" es un toque de atención que no cuenta (ni ha buscado) ayuda ni subvenciones, así que al igual que iniciarla y hacerla ha sido tirar del carro, moverla es el siguiente paso titánico que queda pendiente”. Quien nos da más pistas es Sofía Privitera, quien nos avanza que la película se va a “presentar al Festival de CineEscena, que me encanta y que iba a tener un jurado interesante, al que me interesaba conocer”.

 

“FOCUS”. JAURÍA

El estrellato es como estar ante una jauría, si percibe que tienes miedo, te atacará sin piedad. Durante años Will Smith fue una de las estrellas indiscutibles de Hollywood, uno de los pocos actores que aseguraban éxito en taquilla sólo con su nombre, ya fuera en géneros dispares como la comedia, la acción o el drama. Sin embargo, llega el momento en que toda estrella empieza a apagarse y una etapa se acaba. El fracaso de “Siete Almas” dejó herida de gravedad la carrera de Smith y desde entonces su filmografía no ha levantado cabeza. “Hombres de Negro 3” quedó lejos de los resultados esperados y “After Earth” fue un fracaso rotundo (el más duro de su carrera, según el actor), aunque achacable a la mala estrella de su director o la falta de carisma de Jaden Smith. “Focus” ha sido el último intento de actor por remontar el terreno perdido, un vehículo para su lucimiento, con todos los ingredientes para triunfar.

Smith ha contado a su favor con un personaje atractivo y seductor escrito a su medida: enigmático, con momentos divertidos, románticos, pero también con un poso dramático que el actor deja intuir, pero no se desvela del todo. A su lado se encuentra una de las actrices ascendentes de Hollywood. Tras “El Lobo de Wall Street”, Margot Robbie tiene aquí otro papel con el que explotar su belleza y sex appeal (con el morbo añadido de una relación interracial, que a estas alturas del partido sabemos que en Estados Unidos sigue despertando reacciones contrapuestas). El resto del plantel de secundarios cuenta con actores de carácter (en su mayor parte) con la suficiente presencia en pantalla como para encandilar al espectador pero sin restar espacio al protagonista. La dirección queda en manos de Glenn Ficarra y John Requa, quienes, tras “Crazy, Stupid Love”, despliegan aquí una puesta en escena sutil y elegante, acompañada por un diseño de producción que rebosa lujo en cada fotograma (vestuario, relojes, coches, casas, todo un catálogo de product placement escogido con la idea de glamour como principal concepto), una dirección de fotografía que juega con texturas postmodernas y esteticistas y una selección de canciones que dan ritmo a la narración. Sin duda, toda una superproducción al más puro estilo de Hollywood.

Y, sin embargo, todo este esfuerzo no termina de cuajar en pantalla. Will Smith evidencia en todo momento su necesidad de demostrar que sigue siendo un actor carismático, pero por el camino pierde la naturalidad que siempre le caracterizó. Nicky Spurgeon no es un personaje, sino una impostura con la que el actor no termina de sentirse cómodo. Su química con Margot Robbie no termina de funcionar. El componente emocional entre los dos personajes resulta forzado y artificial, lo que además deja a la actriz desvalida, sin que su belleza o su simpatía sea suficiente para justificar los giros de su personaje. El guion resulta episódico y disperso, por lo que no da tiempo a que el espectador empatice con ninguno de los personajes. Así, secundarios como Adrian Martinez (Farhad), Rodrigo Santoro (Garriga) o Gerald McRaney (Owens) quedan relegados en favor de la jerarquía del star system. Sólo hay un momento en que la película llega a brillar, y no es gracias al tandem Smith/Robbie, sino a BD Wong, un actor secundario, visto en títulos como “El Padre de la Novia”, “Parque Jurásico”, “Hombres de Negro” o “Decisión Crítica”, quien, inesperadamente y de manera efímera, consigue aportar a la película el carisma que le faltaba, robándole la función a los dos protagonistas.

Por el resto, quizás temiendo que la audiencia, ya bregada en estas tramas de pícaros y estafadores se huela el truco, la película se esfuerza demasiado en esconder sus ases en la manga y se olvida de la principal regla de todo buen engaño, el espectáculo. No podemos negar que “Focus” se deja ver con la complacencia de lo previsible, pero en ningún momento logra deslumbrar al espectador. No es que Smith haya perdido encanto, pero ahora se huele su miedo y eso despierta a la jauría que llevamos dentro.

ESTRENOS DEL 1 Y 2 DE ABRIL

El pasado fin de semana llegaban a las pantallas algunos estrenos esperados como antesala a la festividad de Semana Santa, títulos que se complementan con los dos que llegan entre hoy 1 de abril y mañana. Como sucediera la semana pasada con “Home. Hogar Dulce Hogar”, el cine familiar pega fuerte en vacaciones y el título más visto fue “Cenicienta”, con una recaudación de 1.909.776 €. A cierta distancia le sigue el regreso de Will Smith con “Focus”, que se queda con 1.229.184 €, lo que no son buenas cifras para un actor que en el pasado bebió de las mieles de la taquilla en nuestro país. Después de que la cinta de que “Home. Hogar Dulce Hogar” le arrebatara el liderazgo la semana pasada, “Perdiendo el Norte” le roba un puesto a la cinta de Dreamworks, quedando en tercer puesto con 814.900 € frente a los 744.171 € de las aventuras de Oh. En quinto puesto encontramos otro de los estrenos del pasado fin de semana, “El Nuevo Exótico Hotel Marigold”, que con su propuesta de comedia crepuscular logra recaudar 357.335 € (inferior a los aproximadamente 525.000€ que logró la primera entrega en 2012). Los estrenos de esta semana vienen marcados por dos franquicias hollywoodienses de peso. Siguiendo la moda de adaptaciones de bestsellers de literatura fantástica juvenil, nos llega “Insurgente”, segunda entrega de “Divergente”, mientras que Dom Toretto y su banda copan las salas con el fin de rendir homenaje al fallecido Paul Walker en las taquillas. (Cifras taquilla: Rentrak)

Tras el éxito de “Crepúsculo”, Hollywood entró en una carrera por adquirir los derechos de toda saga literaria de fantasía juvenil que contara con buenas cifras en el mercado editorial. Algunas de estas adaptaciones resultaron fallidas, otras han generado nuevos éxitos como es el caso de “Los Juegos del Hambre” o “Divergente”. De esta última llega ahora su segunda entrega, “Insurgente”, con el reto de atraer no sólo a los fans de las novelas, sino también a un público general que no fue tan entusiasta con la primera parte. El testigo de la dirección ha pasado en esta ocasión de las manos de Neil Burger a las de Robert Schwentke, quien tiene en su haber títulos como “Plan de Vuelo: Desaparecida”, “RED” o la espléndida “Más Allá del Tiempo” (de su anterior película, “R.I.P.D. Departamento de Policía Mortal” mejor nos olvidamos). El protagonismo vuelve a recaer en Shailene Woodley y Theo James, repitiendo otros actores como Miles Teller (famoso ahora gracias al éxito de “Whiplash”), Jai Courtney, Mekhi Phifer, Zoë Kravitz o Ansel Elgort. Kate Winslet vuelve a interpretar a la villana de la función, acompañada por otros actores veteranos como Tony Goldwyn u Octavia Spencer, quien debuta en la saga con esta entrega.

La serie Divergente: Insurgente eleva las apuestas en favor de Tris mientras busca aliados y respuestas en las ruinas de una Chicago futurista. Tris y Cuatro son ahora fugitivos perseguidos por Jeanine, líder de la élite hambrienta de poder de Erudición. En una carrera contra el tiempo, deben descubrir aquello por lo que la familia de Tris sacrificó sus vidas con tal de proteger, y por qué los líderes de Erudición harán lo que sea necesario para detenerles. Atormentada por las decisiones del pasado pero desesperada por proteger a sus seres queridos, Tris, con Cuatro a su lado, se enfrenta a un desafío imposible tras otro al tiempo que descubre la verdad acerca del pasado y, en última instancia, el futuro de su mundo.

 

El éxito de una franquicia como “A Todo Gas” parece imparable, especialmente desde que a partir de la cuarta entrega, la saga redefinió sus constantes y optó más por dar más protagonismo a la acción que al apartado automovilístico en sí; sin embargo, en la producción de esta séptima entrega se han tenido que enfrentar a uno de los retos más complicados, sobrevivir tras la muerte de uno de sus actores principales en medio del rodaje (Paul Walker, fallecido el 30 de noviembre de 2013, irónicamente en un accidente de coche). Para ello, se ha tenido que echar mano de cambios de guion, la colaboración de los hermanos del actor e incluso una recreación digital encargada a los estudios WETA de Peter Jackson. Todo esto, en una entrega que además cambiaba de manos de director. Justin Lin, responsable de todas las entregas de la saga desde al 3 a la 6, cedía el testigo a James Wan, quien tras triunfar en el género fantástico con títulos como “Insidious” o “El Expediente Warren” buscaba probar fortuna con un cambio de rumbo en su carrera. La cinta recupera a los principales rostros de la saga (aparte de Walker, Vin Diesel, Dwayne Johnson, Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Jordana Brewster, Ludacris, e incluso a un Lucas Black que recupera su personaje de “A Todo Gas 3. Tokio Race”), sin embargo, las nuevas incorporaciones no pueden ser más llamativas, Jason Statham, en el papel principal, con secuaces como los especialistas en artes marciales Tony Jaa, Ronda Rousey, además de rostros veteranos como Djimon Hounsou y Kurt Russell (al que no veíamos en la gran pantalla desde otra película de coches, “Death Proof” de Quentin Tarantino).

Ha pasado un año desde que el equipo de Dom y Brian pudo regresar finalmente a Estados Unidos después de ser indultados. Desean adaptarse a una vida en la legalidad, pero el entorno ya no es el mismo. Dom intenta acercarse a Letty, y Brian lucha para acostumbrarse a la vida en una urbanización con Mia y su hijo. Ninguno de ellos imagina que un frío asesino británico, entrenado para realizar operaciones secretas, será su mayor peligro.