CAMPANAZOS Y CAMPANADAS DE 2010

INTRODUCCIÓN

A lo largo de este año ha habido películas que nos han resultado más satisfactorias y otras que no nos han gustado o nos han supuesto un desencanto al no alcanzar lo que esperábamos de ellas. A continuación les ofrecemos nuestras campanadas y campanazos para aquellos títulos que en nuestra opinión han sido los más destacados del año y también los más decepcionantes.

CAMPANAZOS

En nuestra selección de siete campanazos hemos incluido por lo tanto no aquellas películas que nos han parecido más infames (confesamos que eso hubiese sido una tarea ardua debido a la cantidad de títulos nefastos que han poblado nuestras carteleras este 2010), sino aquellas que fuimos a ver al cine con cierta esperanza y que traicionaron nuestra confianza. Al final esto a nivel personal es lo que más nos duele, ya que cuando no se espera mucho de una película, sus carencias no hacen más que generar una mayor indiferencia hacia ella, pero la pérdida de confianza en una obra cinematográfica que se esperaba con ilusión o al menos con cierto interés supone también una pérdida de ilusión hacia la magia del Séptimo Arte.

7. NINE

El éxito de esta obra en los escenarios, la referencia a una de las películas cardinales (se admite también el juego de palabras) de Federico Fellini, la dirección del autor de uno de los mejores musicales de los últimos años (Rob Marshall y “Chicago”) y un reparto de primer nivel (Daniel Day Lewis como Contini, acompañado por Marion Cotillard, Penélope Cruz, Nicole Kidman, Judi Dench, Kate Hudson, Stacy Ferguson, Sophia Loren) prometía una obra a disfrutar. Desgraciadamente el resultado fue un vacío ejercicio de esteticismo y artificialidad, donde la magia, el glorioso desorden de Fellini quedaba sepultado tras una puesta en escena plana y ordenada, donde todo quedaba perfectamente atado de una manera fría, sin resquicios para cualquier tipo de emoción. Incluso los números musicales parecen temerosos de adentrarse en el territorio narrativo, quedando acotados como meras fantasías del protagonista.

6. HABITACIÓN EN ROMA

Julio Medem necesita urgentemente resituar su carrera. En sus últimos proyectos se ha empeñado en llevar a cabo ideas prometedoras, pero que después quedan desmanteladas por su tendencia a la cursilería y a una pedantería hueca e insustancial. Tras el fracaso de “Caótica Ana”, “Habitación en Roma” supone un nuevo empecinamiento del director en una intelectualidad mal entendida, donde se pretende adornar los conceptos más simples con un envoltorio jactancioso y petulante. Ni siquiera el contar con dos actrices tan sensuales como Elena Anaya y Natasha Yarovenco desnudas prácticamente toda la película ayuda a sobrellevar los aspavientos de autor de Medem. No queremos negarle algunos momentos afortunados a la película, pero lo cierto es que estos quedan eclipsados por el ridículo más insufrible de otros como la escena de “la flecha de Cupido”.

5. ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS

En Adivina Quién Viene al Cine somos grandes seguidores del cine de Tim Burton. Nos encantan sus extravagancias y “Eduardo Manostijeras” y “Pesadilla antes de Navidad” están entre nuestras películas favoritas de todos los tiempos, sin embargo, desde el traspiés de “El Planeta de los Simios” nos estamos acostumbrando a que nos dé una de cal y otra de arena. Nos encantaron “Big Fish”, “La Novia Cadáver” y “Sweeney Todd”, pero “Charlie y la Fábrica de Chocolate” y este año “Alicia en el País de las Maravillas” nos parecen dos desatinos monumentales. De la adaptación de la obra de Lewis Carroll teníamos grandes esperanzas. Un buen diseño de producción, buen reparto y la mano de un director capaz de adentrarse en los terrenos más farragosos de la obra literaria. Desgraciadamente, de esto sólo resultó satisfactorio lo primero. La puesta en escena de Burton se ve limitada por los requerimientos para la posterior conversión a 3D y el libreto de Linda Woolverton abandona la anarquía narrativa de Carroll para convertir la historia en un manual del psicoanálisis de la madurez adolescente. Tal es el convencionalismo que inunda las páginas del libreto, que incluso si liberáramos a la película del peso de su referente literario, el resultado no dejaría de ser una historia insulsa y superficial.

4. FURIA DE TITANES

Hay tres formas de ver esta película, desde la perspectiva de un conocedor de la historia y la mitología clásica, la de un cinéfilo que ha visto la versión anterior con producción y efectos especiales a cargo de Ray Harryhausen, o como un espectador desconocedor de los aspectos anteriores. En cualquiera de las tres posibilidades, la película de Louis Leterrier es un fracaso. Desde el punto de la mitología, la cinta se pasa por el arco del triunfo el verdadero núcleo de la historia, la relación de amor entre Perseo y Andrómeda, relegando a ésta a un papel secundario, con el héroe poniéndole los cuernos con Ío (una sosa Gemma Artenton). Con respecto a la cinta de Harryhausen, y pese a los avances de la tecnología, no logra recuperar la aventura y la magia de la versión de 1981 (los escorpiones gigantes están muy logrados, pero otros como la Medusa o el Kraken, resultan muy inferiores a los de una superproducción hollywoodiense actual). Por último, como cinta de mero entretenimiento, resulta precipitada, de guión inane y mal desarrollado, con montaje confuso, actores inexpresivos y un falso 3D que resultaba lo peor de la función (la primera decepción del nuevo formato tras las promesas de “Avatar”).

3. COME, REZA, AMA

La presencia tras la cámara de Ryan Murphy, autor de series de televisión como “Nip/Tuck” o “Glee”, generaba cierta esperanza por “Come, Reza, Ama”, superproducción basada en el bestseller del mismo título de Elisabeth Gilbert, reconvertida en una historia para el lucimiento artístico de Julia Roberts. A medio camino entre literatura de viajes y libro de autoayuda, la historia nos acerca a la crisis de la madurez femenina a través de su protagonista, una exitosa mujer en el terreno profesional, pero insegura en sus relaciones sentimentales. Desgraciadamente, lo que podría ser una historia de doble viaje, geográfico e introspectivo, acaba convirtiéndose en un publirreportaje turístico, repleto de paisajes embriagadores, pero también incapaz de profundizar más allá de los clichés más burdos y ramplones. Sólo la presencia de un siempre elegante Richard Jenkins permite despertar cierto interés quedando negativamente contrarrestada por un almidonado Javier Bardem hablando con un espantoso acento brasileño.

2. UNA HORA MÁS EN CANARIAS

“Una Hora Más en Canarias” intentaba repetir el éxito obtenido por David Serrano como guionista de las dos entregas de “El Otro Lado de la Cama” y como director con “Días de Fútbol”. Para ello el cineasta recuperaba su interés por el musical clásico (aunque en una vertiente más cercana a Jacques Demy), mezclado con elementos de telenovela sudamericana y rodando en localizaciones de la isla de Tenerife como Garachico, Icod de los Vinos, La Laguna o Buenavista del Norte. De la película destaca la luminosa y colorista fotografía de Carlos Ferro y la presencia de secundarios como Miren Ibarguren o veteranos como Eduardo Blanco, Isabel Ordaz y Kitty Manver, aunque la química entre estos tres actores apenas es explotada, desaprovechando las posibilidades que brindaban sus respectivos personajes en favor de una trama principal anodina y carente de gracia. Los números musicales resultan artificiosos y el tono extravagante, con cierta cercanía al realismo mágico, acaba siendo forzado e insuficiente.

1. SEXO EN NUEVA YORK 2

Tras el éxito y el prestigio logrado por la serie “Sexo en Nueva York”, el salto al cine de Carrie y compañía ha sido completamente desatinado. Ya en la primera entrega cinematográfica se pudo apreciar una cierta traición a los planteamientos de la serie, algo que ha tocado fondo (esperemos) en esta secuela. Lo que en la pequeña pantalla había sido una descripción ácida y compleja de los cambios culturales, económicos, sociales y sexuales a los que se enfrentaban las mujeres con el cambio de siglo, en esta película decae en esperpento y caricatura; mientras que la elegancia y el glamour servía de bandera a la serie, aquí entra de lleno en el más completo de los ridículos y la vulgaridad ante el ostentoso escaparate de trivialidades que hace gala la película. Definitivamente, Sarah Jessica Parker, en su doble labor de protagonista y productora, se las ha apañado para ofrecernos la que, en nuestra opinión, es la cinta más decepcionante y insufrible del año 2010.

CAMPANADAS

Y de la profundidad del abismo, iniciamos nuestro recorrido hacia la luz, aunque, como todo lo que realmente vale la pena, el sendero que nos proponen no sea de tránsito sencillo y apacible.

12. EL ESCRITOR

Tenemos que reconocer que los dos primeros títulos que conforman estas 12 campanadas que les ofrecemos a continuación producen en nosotros una encontrada contradicción. “El Escritor” es una película de excelente factura, donde un director de la talla de Roman Polanski demuestra veteranía y oficio, manejando de manera magistral las claves del thriller (especialmente en la primera parte de la cinta, hasta que El Escritor abandona la casa Adam Lang) como ya había hecho en ocasiones anteriores (por ejemplo en 1988 con “Frenético”). Esto no quita para que, pese a las excelencias de la cinta, no nos quede la impresión de que bajo ese preciso envoltorio lo que subyace es una historia rutinaria (especialmente en ese segundo bloque persecutorio que tiene lugar una vez el protagonista abandona el terreno seguro del refugio). De haber aprovechado mejor el trasfondo político de la historia y haber dirigido el desarrollo del argumento hacia ese punto, sin duda esta película ocuparía un lugar de mayor prestancia en nuestro ranking particular.

11. SHUTTER ISLAND

Una impresión similar nos produce “Shutter Island” de Martin Scorsese. A estas alturas del partido nadie va a poner en duda la habilidad narrativa de este director, ni su conocimiento del arte cinematográfico. Este último trabajo es un excelente homenaje al cine de los años 40 y 50 (con guiños a títulos clásicos como “Recuerda”, “Vértigo”, “Laura” o “Retorno al Pasado”, entre otras), un magnífico acercamiento por parte del autor de “Taxi Driver” o “Uno de los Nuestros” al género fantástico y una extraordinaria pesadilla audiovisual. Sin duda, la cinta se ve beneficiada con la labor del director y consigue trascender las limitaciones de su argumento, sin embargo, lo que nos empaña también esta cinta es la sensación de que un autor como Martin Scorsese (y Polanski con respecto a “El Escritor”) está siendo desaprovechado en esta película y que debería estar encargándose de proyectos de mayor alcance.

10. AN EDUCATION

“Una Educación” se adscribe perfectamente a ese modelo de película pequeña, de producción británica, sustentada principalmente en un guión repleto de ingeniosos diálogos y en el trabajo de los actores. A priori no podemos decir que su argumento descubra la pólvora precisamente. Se trata de una historia de iniciación sentimental y sexual por parte de una joven adolescente en la Inglaterra de los años 50. Sin embargo, más allá de lo tópico de su desarrollo, nos encontramos con personajes perfectamente definidos, un libreto escrito con maestría y un reparto interpretativo capaz de sacar el máximo partido a las cualidades literarias del proyecto, que ha pasado por las manos del escritor Nick Hornby (“Alta Fidelidad”, “Un Niño Grande”). En lo interpretativo, la reina de la función es Carey Mulligan, una actriz que ha sabido dar el salto a la fama gracias a este papel, maravillosamente acompañada por secundarios de lujo como Alfred Molina, Cara Seymour u Olivia Williams. El resultado es una película aparentemente sencilla y poco ambiciosa, pero que, de manera discreta, sabe dar un trasfondo y una complejidad inesperada a la historia que nos cuenta.

9. THE ROAD

Será el cambio climático o la crisis internacional que nos atenaza, pero el 2010 ha sido un año ducho en visiones apocalípticas de la humanidad. “9”, “Infectados”, “El Libro de Eli” o esta “The Road” dan muestra de ello. De todas ellas nos quedamos con esta adaptación de la magistral obra de Cormac McCarthy, que si bien ha perdido parte de lo desolador de su mensaje en su traspaso al cine de la mano del director John Hillcoat, no por ello deja de ser una película cruda y contundente, apoyada de manera poderosa por la magnífica dirección de fotografía de Javier Aguirresarobe y la espléndida interpretación de Viggo Mortensen. Sus imágenes de una civilización destruida y el sacrificio de su personaje protagonista hacen que no podamos quedar impasibles ante lo que se nos está contando.

8. CIUDAD DE VIDA Y MUERTE

Si seguimos hablando de exterminio, la visión de la historia que nos presenta el director Chuan Lu en “Ciudad de Vida y Muerte” resulta también tremendamente demoledora. Este cineasta ya había demostrado una gran maestría en títulos anteriores como “La Patrulla de la Montaña”, sin embargo, la forma en que refleja el grado de deshumanización que acarrea todo conflicto bélico resulta desgarradora. La película escenifica dolorosas imágenes de tortura, asesinato y violación para mostrar los efectos de la invasión japonesa a China durante la Segunda Guerra Mundial. Rodada con toda suerte de medios, entre los que destaca la exquisita dirección de fotografía de Yu Cao, nos encontramos ante un extraordinario ejemplo de superproducción histórica capaz de trascender los límites localistas de su país de origen (otro ejemplo de esto lo podíamos encontrar también, aunque desde una perspectiva muy diferente, en “Acantilado Rojo” de John Woo, extraordinario díptico ambientado en la era de los Tres Reinos que si no fuera porque llegó a nuestro país terriblemente mutilado en su metraje, bien podría haber formado parte de este ranking del 2010).

7. TWO LOVERS

El 2010 nos dejó también, de la mano del director James Gray, un magnífico drama romántico con “Two Lovers”. Gray, quien hasta ahora nos tenía acostumbrado a violentas historias policíacas con el tema de la familia como telón de fondo, parte de un conflicto amoroso habitual (la elección entre la mujer que enciende nuestra pasión y la que nos ofrece una mayor estabilidad), para una vez más indagar en las presiones y los conflictos dentro del núcleo familiar. Un Joaquim Phoenix previo a la excentricidad del falso documental “I’m Still Here” nos presenta una extraordinaria interpretación como Leonard, un hombre inestable con tendencias suicidas que no encuentra su lugar en el mundo, mientras que Gwyneth Paltrow lleva a cabo el trabajo más maduro y complejo de su carrera y Vinessa Shaw disputa con seguridad su presencia en este triángulo, a pesar de que su personaje es por naturaleza mucho menos llamativo que los de sus compañeros. Entre los secundarios es imposible no deleitarse con esa madre sacrificada a la que da vida de manera magistral Isabella Rossellini.

6. CARANCHO

Desde Argentina nos llegaba “Carancho”, un rotundo drama protagonizado por Ricardo Darín y Martina Gusman y dirigido por Pablo Trapero, que ya ha sido escogida para representar a su país de cara a los próximos premios Oscar. Trapero había demostrado con sus películas anteriores que es un cineasta valiente, que no se achica a la hora de reflejar el drama y la violencia de una historia, y en este caso sigue manteniéndose inamovible en su credo. Con apariencia de cine negro, la cinta se apoya en el trabajo de sus actores y en una puesta en escena cruda, cortante y directa, con momentos de verdadero impacto emocional y físico en el espectador. Trapero utiliza una excusa de género policíaco para, una vez más y sin concesiones, meter el dedo en la llaga a la hora de denunciar una situación de auténtica corrupción en su país. En este sentido la película es perfectamente disfrutable como neo-thriller o como reflejo de una realidad oscura.

5. UN PROFETA

Esto mismo sucede con la extraordinaria “Un Profeta” de Jacques Audiard, puro cine carcelario y gansteril, pero que, al mismo tiempo, busca reflejar la realidad cotidiana de las cárceles francesas, el control implícito que tienen los criminales, el racismo imperante y la manera en que un simple delincuente común, lejos de reinsertarse en la sociedad, puede transformarse en un verdadero criminal como respuesta de supervivencia a un ambiente hostil. La película describe de manera minuciosa y paulatina los cambios de su protagonista, Malik, de ingenuo y asustadizo ladronzuelo a frio sicario de la mafia. A nivel interpretativo deslumbra la habilidad del desconocido Tahar Rahim para transformarse y evolucionar junto con su personaje. Por otro lado, Niels Arestrup impone con su descarnada fiereza y como transmite al espectador una sensación de alarma había su personaje.

4. LA CINTA BLANCA

La naturaleza violenta del ser humano y la represión de sus propios instintos son dos temas que vertebran casi toda la filmografía del director sueco Michael Heneke (especialmente en títulos como “El Video de Benny”, “Funny Games” o “La Pianista”). Después de su paso por la industria estadounidense con su remake de “Funny Games” (donde la mayor provocación estaba en volver a filmar la misma película plano a plano, pero con diferentes actores), el cineasta regresó a Europa para llevar a cabo un proyecto largamente acariciado y que se ha saldado con la mejor película de su ya excelsa filmografía. La belleza de la fotografía, el preciosismo de la puesta en escena, las cuidadas interpretaciones de todo su reparto suponen un detallado e impecable retrato de una sociedad aparentemente equilibrada, pero bajo la que subyace el caos y la destrucción. La película se ha vendido como un estudio sobre los orígenes del nazismo en la Europa previa a la I Guerra Mundial, sin embargo, su alcance es mucho mayor y universal. No hace falta la excusa/justificación del nazismo para preguntarse por esa necesidad violenta y autodestructiva del ser humano.

3. LA RED SOCIAL

Los orígenes de una de las principales redes sociales de internet podía parecer un tema baladí para el cine, sin embargo la presencia de dos autores tan prestigiosos como David Fincher y Aaron Sorkin en los apartados de dirección y guión avalaban un proyecto que parecía marcado por la actualidad, pero al mismo tiempo herido de muerte por ésta (la vida da muchos cambios y aún es pronto para saber qué depara el futuro a una empresa como Facebook ni cuál va a ser su verdadera trascendencia como para retratarlo en una película). Afortunadamente, sus dos autores (éste es claramente un proyecto bicéfalo, entre la cuidada letra de Sorkin y la estilizada firma de Fincher) van más allá del mero acontecimiento (aunque lo disfrazan con diferentes rasgos que van del biopic a los tópicos habituales del cine de juicios) y se acercan más a la descripción de un personaje superdotado pero antisocial, incapaz de empatizar con el resto de la humanidad y cuyos actos son el resultado de una crónica carencia afectiva, metáfora del devenir que espera al ser humano.

2. TOY STORY 3

Año tras año uno se pregunta dónde está el techo de una compañía como la Pixar. Desde sus comienzos, este estudio de animación ha abogado por producciones de gran despliegue técnico, pero siempre supeditado a historias emotivas sólidamente edificadas sobre personajes bien definidos (aunque se trate de juguetes, insectos, coches, peces o robots). Salvando el caso de “Toy Story”, Pixar siempre se había mostrado reacia a las secuelas (algo que parece que empieza a cambiar, con “Cars 2” a la vuelta de la esquina y “Monstruos S.A. 2” ya en producción) e incluso en el caso de las aventuras de Woody y Buzz Lightyear, la existencia de las secuelas venía impulsada más por parte de la Disney que por verdadero interés de John Lasseter en seguir desarrollando las historias de estos personajes. Lo cierto es que pese a todo esto, la compañía ha logrado generar no sólo una trilogía de altísimo nivel, sino completamente coherente, como si todo formara parte de un plan inicial. “Toy Story 3” cierra el tríptico de manera conmovedora, divertida y madura, sin perder con ello su carácter de divertimento infantil. A esto le acompaña un excelente trabajo de la imagen y la animación, con secuencias que vuelven a marcar un listón en lo referente a detalle y complejidad. Da pena abandonar a Woody y Buzz pero uno no puede imaginarse una conclusión mejor.

1. ORIGEN

Y llegamos al final de este ranking del 2010 con una de las películas más celebradas de la temporada veraniega, “Origen” de Christopher Nolan, con la que el director, tras el tremendo éxito logrado con “El Caballero Oscuro”, ha vuelto a meterse al público en el bolsillo con una cinta compleja y más innovadora de lo que se podría esperar del típico blockbuster veraniego. Nolan recoge elementos de la ciencia ficción (ese mundo onírico que crean los protagonistas tiene mucho de Matrix), el cine de espionaje (el director homenajea a la franquicia de James Bond en varias ocasiones, especialmente con el clímax en la nieve que recuerda a “Al Servicio Secreto de su Majestad”) o el drama sobrenatural (en la trama romántica podemos encontrar también otra referencia cinéfila a la cinta de Andréi Tarkovski “Solaris”). A nivel formal, la cinta alterna poderosas escenas de acción, con curiosos juegos de perspectiva (el periodo de ingravidez en el hotel) y un complejo tratamiento del tiempo fílmico (en la película encontramos la caída de una furgoneta más larga de la historia del cine). En general, una película que demuestra que la ambición, al originalidad y la inteligencia no tiene por qué estar reñidos con la comercialidad.